Bojack Horseman

Desde chico me gusta la animación, pasaba horas frente al televisor esperando a que trasmitieran el próximo capitulo de Pokémon (o uno cualquiera, la verdad podía ver repetidos sin aburrirme nunca). Me levantaba y veía Jake Long, comía con Brandy y el Señor Bigotes y cenaba o esperaba la cena con Los Simpsons y Futurama, estas ultimas series "para adultos" por su contenido explicito que bajo esa edad uno no entendía muy bien y solo veía una familia graciosa o un pelirrojo enamorado de una chica de pelo violeta. Este gusto por las series animadas sigue perdurando en mi hasta hoy, siendo bastante critico con el contenido que crean o recrean.
Es innegable a mi punto de vista que la animación moderna está yendo por una nueva época dorada. Ya no tan experimental sino más bien desarrollada. Los "dibujitos" ahora tienen historia, un guión lineal, un hilo al cual seguir. Ya no te podes perder un capitulo porque en todos o en su mayoría pasa algo. Netflix se aprovecho de esto y, bajo su formato, lanzó una cruda y real critica a la sociedad norteamericana y la llamó Bojack Horseman.
En un Hollywood donde conviven tanto humanos como animales antropomórficos Bojack es un caballo que fue famoso en los 90 por actuar en una sitcom llamada Horsin' Around, la cual le dio fama y fortuna. Sin embargo, aun siendo millonario y reconocido como "El caballo" de Horsin' Around, en la actualidad nos encontramos con un caballo deprimido y nostálgico. Uno que no hace nada para su vida y no tiene objetivos. Uno que a pesar de vivir el sueño americano sigue sintiendo un vació en su interior que lo lleva a una depresión afectándolo tanto a el como a las personas a su alrededor.
Hay muchos puntos a favor de esta serie. Como una posición sumamente critica a los medios, al papel de la mujer en la sociedad, al acoso constante que reciben los actores y actrices de Hollywood, incluso los efectos de esto en los más chicos y como crecen en una sociedad sobreexigente para con ellos, y a un sin fin de situaciones más donde usan el humor y la animación para "suavizar" estos hechos que suceden en nuestra vida cotidiana.
Otro punto a destacar es la música y la forma en que esta funciona incorporada a la trama. Ya no es algo ambiental sino que conversa con el espectador ayudándolo a ubicarlo en un tiempo y espacio, a comprender que es lo que le sucede a algún personaje o a ser parte de la historia y del guión.
Por ultimo el manejo del drama que posee es impresionante, ya que la relación de los personajes entre si, consigo mismos y con el entorno a pesar de tener tintes de humor lo más perceptible son los problemas que pasan cada uno de ellos. Todos están en un circulo vicioso del cual parece que ninguno puede salir. Cada uno con sus propios problemas y objetivos y que, sin embargo, son personas funcionales en conjunto.
Como punto negativo es que al principio la serie parece no establecerse por completo, los dilemas son absurdos y no es hasta la mitad de la primera temporada en la que uno alcanza a apreciar lo profundo de esta. Posee algunos capítulos que no hacen más que rellenar lo que pasa más adelante o se estancan en un solo personaje del que no nos muestran nada nuevo. Tambien se aprovechan demasiado del cliché como recurso humorístico e incluso dramático en algunos capítulos. Incluso hay chistes o escenas que uno se pierde si no tiene un panorama básico de quienes son las estrellas de Hollywood, quien esta en matrimonio con quien o lo que hizo un actor en su carrera. Pero sin embargo todo esto queda en segundo plano cuando se llega a entender a donde quiere ir la serie y que es lo que nos quiere mostrar. Haciéndonos entender que el mundo en realidad es una selva moderna, tan salvaje como civilizada.

Mi puntaje: 10/10 Simones
Test de Bechdel: 3 de 3
Recomendación: Es una serie depresiva, hay que verla con cuidado.

Call Me by Your Name

La critica tiene spoilers pero en verdad no son importantes, lo que importa es la forma en que es contada y no la historia en si.

La temática de las nominadas a este año para los Oscars parece ser la nostalgia, siendo el turno del primer amor, de todo lo que sentimos por esa persona y del despertar sexual adolescente.
Si hay un adjetivo con el que tenga que definir Call me by Your Name es "Bella". Hay belleza en todo el filme, tanto en la actuación, como en el paisaje, como en el guión y en la dirección. Una belleza singular y que le da un toque a la película para hacerla única en el género, una que hay que verla sin prejuicios ni asombro.
En el filme te cuentan una historia del amor de verano entre Elio -Thimontée Chamalet- un adolescente de 16 años, y Oliver -Armie Hammer- un adulto de 30 años que para terminar su doctorado pasa estos meses trabajando con el padre de Elio. Premisa que ya vimos conceptualmente en "Lolita" pero la diferencia radica en que Call Me by Your Name se esfuerza para no hacer un juicio moral: Ningún personaje parece estar en desacuerdo con el romance semi-secreto. Como punto en contra es que plantea una realidad que no concuerda con la de nosotros, la película peca de tibia en ciertos momentos pero es todo gracias a que siempre se quiere mantener como único conflicto a Elio y su despertar sexual.
Quiero destacar por sobre toda la película a Thimontée Chamalet que con solo 20 años brinda una de las mejores actuaciones de la década, terminando la película con la cámara enfocada a el frente a la chimenea y pasando por 5 emociones distintas, todas a través del llanto desconsolado.Y es que bajo esa seducción casi imperceptible, belleza clásica, burguesía y una autoadmiración constante podemos encontrarnos a nosotros en Elio, a las inseguridades y caprichos propios y a nuestras propias relaciones y amores porque poco importa el género, hay algo mucho más profundo en el amor que siente, una búsqueda constante de ser la mejor versión de nosotros mismos.


Mi puntaje: 9/10 Simones
Test de Bechdel: 3 de 3 (Solo si lo vemos rebuscadamente porque en realidad la única mujer que parece ser importante para la trama es la novia de Elio)
Recomendación: Sacarte todos los prejuicios de encima antes de verla

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Coco

La magia de Mexico es atrapante. La cultura latina que posee es un auge de colores, sabores, texturas y notas musicales. El Día de Muertos es la ocasión perfecta para retratar esto y Coco lo entiende a la perfección realizando este homenaje animado.
Mariachis, alebrijes, xoloitzcuintle, comida, flores, música, tradiciones, Frida Kahlo, la película es una obra de arte en donde no se cansa de hacer referencias al país. Pero Coco no es solo eso, también es un abrazo a la familia y al recuerdo.
Todos tenemos que lidiar con la muerte porque es parte de nuestras vidas. Todos tenemos a alguien que ya no está más físicamente con nosotros por alguna razón. Todos lloramos y extrañamos a nuestros muertos. Pero la película te presenta una muerte mucho más allá de la que sucede cuando nuestro corazón se detiene: el olvido. Hay un simbolismo importante (y obvio) en Coco: Nuestros seres queridos van a seguir vivos siempre y cuando los sigamos recordando.
La película trata sobre Miguel, un niño cuyo sueño es parecerse a su ídolo musical, Ernesto de la Cruz, un cantautor que toca la guitarra y que es el símbolo del pueblo en el que vive. El problema surge porque su familia odia la música gracias al tatarabuelo de Miguel que les abandona para ser músico. Logrando así que la tatarabuela empiece a ser cabeza de familia e inicie un negocio fabricando zapatos, haciendo de esto y del odio a la música una tradición familiar. Muchas generaciones después en el Día de Muertos por diversas situaciones Miguel termina robando la guitarra de Ernesto profanando su mausoleo, lo que mágicamente termina mandándolo al mundo de los muertos sin estarlo.
Este mundo rige bajo sus propias reglas. Se divide en clases sociales a partir de cuanta gente te recuerda por tus acciones en vida (los más recordados viven en mansiones y a los que menos recuerdan en villas), si nadie pone tu foto en un altar tu ¿alma? no puede visitar el mundo de los vivos y cuando ya nadie te recuerda desapareces de este lugar resultando en una aparente muerte final.
A pesar de su hermosura la historia de la película tiene algunos problemas, posee giros telenovelescos y hay cosas que no quedan muy claras y se resuelven por factores externos. Pero es tanta la magia de Coco que te hace olvidar de estas situaciones rápidamente. Toda la pelicula expresa amor. Amor a la familia, a la música y a Mexico y es que para hacerla hubo una investigación de campo que les llevo 3 años a los productores. Todo esto cobra sentido cuando la comenzamos a ver y nos sumerjimos en este mundo no tan fantástico. Y es que al final tiene dos escenas muy emotivas, que resumen todo el filme y dejan los mensajes de la película fuertes y claros, escritos con tinta de alebrije y cuerdas de guitarra.

Mi puntaje: 9/10 Simones
Test de Bechdel: 3 de 3
Recomendación: Verla en español latino.

Dato curioso: La primera vez que la fui a verla llegamos con mis amigas tarde y nos perdimos la explicación del por que el odio de la familia hacia la música y sinceramente perderme esa escena hizo que la película me gustara mucho más.

Lady Bird

De chico nunca tuve problemas con mi nombre a pesar del repetido chiste de "Simón dice". No había casi nadie que se llamara Simón y eso me hacia sentir un poco especial. También ayudó que Cris Morena le pusiera mi nombre a uno de los carilindos de alguna de sus novelas (Nunca fui muy fan de ella así que seguramente ustedes saben mejor que yo a cual de todas). No fue hasta rondando los 15 años que me empezó a molestar Simón a secas y no le echo la culpa a mis padres, sino a la gente que empezó a adoptar perros y decidió ponerle nombre de personas. Así que de un año para el otro Simón empezó a ser rebajado a nombre de mascota y obviamente a mi no me gustaba ni un poco. Como consecuencia decidí agregar mi segundo nombre cuando me presentaba a la gente y que ellas decidieran cual les gustaba más. Algo que nunca surtió efecto ya que hasta el día de hoy nadie me llama Andrés.
La protagonista de la película fue un poco más arriesgada e inteligente que yo y les exige tanto a las personas que la rodean como a sus nuevos conocidos que la llamen Lady Bird porque no está conforme con su nombre. Tampoco está conforme con nada de su entorno, tanto el pueblo en el que se mudan, como su colegio, su casa y su posición de clase media baja (media baja en Estados Unidos para un Argentino es clase media). El filme te habla sobre ella y de como tiene que pasar su ultimo año de secundaria tratando de encajar en algún lugar.
La narrativa no presenta temas nada originales para una película adolescente, tales como la universidad, el sexo, los amigos, los novios, etc. Pero la diferencia se encuentra en la manera. Ya que el filme te lo cuenta desde un lugar nostálgico, uno en donde te sentís identificado con la protagonista en la mayor parte de su vida y al mismo tiempo ver las cosas más objetivamente. Todo esto desde una visión muy dinámica en donde aprecias como ella siente que el tiempo se le está acabando, que todo pasa muy rápido, y que no tenés manera de pensar las cosas porque ya surge otra situación o conflicto.
Y ante todo hay que destacar la relación madre-hija que hay en la película, donde se puede ver que a pesar de todo el melodrama y conflictos parentales ellos también tienen tienen su lado de ver las cosas y que no hay blancos ni negros. Al final se puede destacar que a pesar de ser una película adolescente no está pensada para este público sino para uno más maduro, uno que ya paso por todos esos momentos y que ya sabe que no es el fin de algo sino el comienzo de una vida diferente.

Mi puntaje: 7/10 Simones
Test de Bechdel: 3 de 3
Recomendación: No mirarla si estas en el secundario

The Shape of Water

Hay algo en las historias de amor que nos lleva a repetirlas y mirarlas una y otra vez. Una atracción constante a crear obras, guiones, pinturas, poemas y hasta dioses que nos ayudan a comprenderlo y asimilarlo. En cierto punto es hasta un indicador de la humanidad de alguien.
Guillermo del Toro nos presenta esta historia de amor a través de un poema, un poema realizado con cámaras, colores y música, uno que en el fondo está hecho por un niño fascinado con el imaginario.
El relato ambientado en un "actual" 1962, nos cuenta la historia de una princesa que no lo es tanto. Una que es muda y que de realeza no tiene nada. Ella trabaja limpiando trapos, pisos y baños en una organización.
El elemento fantástico característico de Del Toro lo porta el interés romántico de ésta chica: Un hombre pez salvaje, tan bello como aterrador, sacado de una película de 1984. Esta criatura se encuentra acorralada en la organización, siendo objeto de estudio de militares y científicos, recibiendo maltratos y golpes y estando cautivo en una cárcel acuática.
Hay un uso de la nostalgia increíble en la película: los tiempos pasados siempre fueron mejores, salvo que seas negro, mujer o pobre. El filme te quiere marcar ese hecho cada vez que tiene la oportunidad, presentando situaciones de racismo y homofobia y dándole al verdadero monstruo de la película el poder de ser hombre, blanco y heterosexual en una época donde era lo único que valía.
Aunque con el filme contiene unas pocas escenas un tanto innecesarias en el argumento hay una sincronía y un uso poético de la cámara impresionante. Porque el director te cuenta la historia desde los ojos de un niño ya maduro, un niño que nunca dejo de creer en el amor y que con colores verdeazulados y una banda sonora impecable este niño quiere hablarte de la princesa sin voz y de una historia de amor y perdida.

Mi puntaje: 9/10 simones
Test de Bechdel: 3 de 3
Recomendación: verla en la mejor definición posible

I, Tonya

Transcurría el año '94 cuando sucedió un hecho que conmociono el mundo del deporte. No hablo del doping que le realizaron a Maradona que le costó volver a jugar en el mundial en Estados Unidos, ni del asesinato de Andrés Escobar. Para los yanquis fue mucho más importante un suceso que ocurrió en el ambiente del patinaje artístico: Tonya Harding, la mujer que revolucionó este deporte, contrató unos sicarios que le rompieron la rodilla a su oponente antes de los juegos olímpicos.
La verdad que no es tan así lo que ocurrió y de eso te quiere hablar la película a través de su formato de semi-falso documental. Donde la producción se encargó de entrevistar a las verdaderas personas y luego contrató actores y actrices para interpretar sus papeles en la entrevista y los hechos del pasado. Aproximándose lo más posible a la realidad desde los ojos de los "villanos del cuento" utilizando también la ruptura cómica con la cuarta pared.
Lo que más se destaca en el filme son las brillantes actuaciones. Por un lado tenemos a Margot Robbie, que ya cansada de hacer papeles de cara bonita decidió coproducir la película y actuar en ella. Dando como resultado el personaje más complejo y profundo de su carrera. Por el otro lado tenemos al verdadero mal de la protagonista: su madre. Allison Janney antagoniza la película tan perfectamente que nos hace dudar a cada segundo si su accionar es realmente valido, amándola y odiándola por ello.
A pesar de esto la película tiene un error muy básico y es que no habla más allá del tiempo y lugar, el problema no te llega porque no es algo que atraviesa tu cultura, salvo que vivas en EUA o te interese el patinaje artístico. Tampoco tuvo consecuencias muy graves para la victima porque esta se pudo recuperar y volver a patinar al poco tiempo. La película empieza y termina en las dos horas de duración. No te deja pensando, no se destaca demasiado, no innova mucho y termina siendo el Cisne Negro de 2017.

Mi Puntaje: 7/10 Simones
Test de Bechdel: 3 de 3
Recomendación: Entender lo que es un Triple Axel

Si no sabés lo que es el test de Bechdel que utilizo en todas mis reseñas haz click aquí. 

Dunkerque

Como argentino tengo una visión bastante particular de la guerra bélica moderna, condicionada por la historia socio-cultural del país. Porque la mayoría de nosotros entendemos que en la guerra nadie gana.
En cambio la gente nacida y criada en culturas como la Estadounidense o Inglesa tienen un fuerte sentimiento de victoria cuando se refieren a la segunda guerra mundial. Ellos entienden estos conflictos como algo de honor o de lo que enorgullecerse. 
Christopher Nolan trata de romper un poco esa estructura con Dunkink, presentándonos de tres formas distintas lo que se puede llegar a vivir en medio del conflicto bélico cuando se pierde el dominio de un lugar. A través de sus actuaciones, sonidos e historia podemos ver y sentir la desesperación de los soldados que quieren volver a casa con vida, la cual puede ser quitada en cualquier momento, las acciones de un marinero para salvar gente cueste lo que cueste y la preocupación de un aviador por defender a las personas que están tratando de sobrevivir en tierra.
Hay dos cuestiones que el director utilizó para poder hacernos sentir todo lo dicho. La primera fue la música y la producción de sonido, dejando lugar a silencios que decían mucho o a la explosión sonora propia de la guerra. La segunda es la invisibilidad del enemigo, nunca lo vemos en pantalla, solo presenciamos sus acciones. Esto hace que lo percibamos como un ente omnipotente y omnipresente del cual nunca sabemos cuando puede llegar a presentarse
Pero no todo es oro en el valle Nolan y tampoco les voy a mentir sobre esto: tuve que ver la película en dos partes porque se me hizo aburrida. La primera hora de película te presenta la historia y la dinámica, algo que podría haberte contado en 20 minutos o menos de una mejor forma.
Por otra parte no rompe totalmente con la visión de la guerra propia de alguien estadounidense/ingles. Todo trata sobre ganar, incluso cuando uno de los soldados regresa a una zona segura no se alegra por estar vivo y tampoco se deprime por lo sucedido, simplemente siente que deshonro a su país escapando del conflicto y dejando una Dunkerque ahora en manos de los alemanes.



Mi puntuación: 9/10 simones
Test de Bechdel: 0 de 3
Recomendación: Hagan unos pochoclos y subanle el volumen a su dispositivo.