Call Me by Your Name

La critica tiene spoilers pero en verdad no son importantes, lo que importa es la forma en que es contada y no la historia en si.

La temática de las nominadas a este año para los Oscars parece ser la nostalgia, siendo el turno del primer amor, de todo lo que sentimos por esa persona y del despertar sexual adolescente.
Si hay un adjetivo con el que tenga que definir Call me by Your Name es "Bella". Hay belleza en todo el filme, tanto en la actuación, como en el paisaje, como en el guión y en la dirección. Una belleza singular y que le da un toque a la película para hacerla única en el género, una que hay que verla sin prejuicios ni asombro.
En el filme te cuentan una historia del amor de verano entre Elio -Thimontée Chamalet- un adolescente de 16 años, y Oliver -Armie Hammer- un adulto de 30 años que para terminar su doctorado pasa estos meses trabajando con el padre de Elio. Premisa que ya vimos conceptualmente en "Lolita" pero la diferencia radica en que Call Me by Your Name se esfuerza para no hacer un juicio moral: Ningún personaje parece estar en desacuerdo con el romance semi-secreto. Como punto en contra es que plantea una realidad que no concuerda con la de nosotros, la película peca de tibia en ciertos momentos pero es todo gracias a que siempre se quiere mantener como único conflicto a Elio y su despertar sexual.
Quiero destacar por sobre toda la película a Thimontée Chamalet que con solo 20 años brinda una de las mejores actuaciones de la década, terminando la película con la cámara enfocada a el frente a la chimenea y pasando por 5 emociones distintas, todas a través del llanto desconsolado.Y es que bajo esa seducción casi imperceptible, belleza clásica, burguesía y una autoadmiración constante podemos encontrarnos a nosotros en Elio, a las inseguridades y caprichos propios y a nuestras propias relaciones y amores porque poco importa el género, hay algo mucho más profundo en el amor que siente, una búsqueda constante de ser la mejor versión de nosotros mismos.


Mi puntaje: 9/10 Simones
Test de Bechdel: 3 de 3 (Solo si lo vemos rebuscadamente porque en realidad la única mujer que parece ser importante para la trama es la novia de Elio)
Recomendación: Sacarte todos los prejuicios de encima antes de verla

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Coco

La magia de Mexico es atrapante. La cultura latina que posee es un auge de colores, sabores, texturas y notas musicales. El Día de Muertos es la ocasión perfecta para retratar esto y Coco lo entiende a la perfección realizando este homenaje animado.
Mariachis, alebrijes, xoloitzcuintle, comida, flores, música, tradiciones, Frida Kahlo, la película es una obra de arte en donde no se cansa de hacer referencias al país. Pero Coco no es solo eso, también es un abrazo a la familia y al recuerdo.
Todos tenemos que lidiar con la muerte porque es parte de nuestras vidas. Todos tenemos a alguien que ya no está más físicamente con nosotros por alguna razón. Todos lloramos y extrañamos a nuestros muertos. Pero la película te presenta una muerte mucho más allá de la que sucede cuando nuestro corazón se detiene: el olvido. Hay un simbolismo importante (y obvio) en Coco: Nuestros seres queridos van a seguir vivos siempre y cuando los sigamos recordando.
La película trata sobre Miguel, un niño cuyo sueño es parecerse a su ídolo musical, Ernesto de la Cruz, un cantautor que toca la guitarra y que es el símbolo del pueblo en el que vive. El problema surge porque su familia odia la música gracias al tatarabuelo de Miguel que les abandona para ser músico. Logrando así que la tatarabuela empiece a ser cabeza de familia e inicie un negocio fabricando zapatos, haciendo de esto y del odio a la música una tradición familiar. Muchas generaciones después en el Día de Muertos por diversas situaciones Miguel termina robando la guitarra de Ernesto profanando su mausoleo, lo que mágicamente termina mandándolo al mundo de los muertos sin estarlo.
Este mundo rige bajo sus propias reglas. Se divide en clases sociales a partir de cuanta gente te recuerda por tus acciones en vida (los más recordados viven en mansiones y a los que menos recuerdan en villas), si nadie pone tu foto en un altar tu ¿alma? no puede visitar el mundo de los vivos y cuando ya nadie te recuerda desapareces de este lugar resultando en una aparente muerte final.
A pesar de su hermosura la historia de la película tiene algunos problemas, posee giros telenovelescos y hay cosas que no quedan muy claras y se resuelven por factores externos. Pero es tanta la magia de Coco que te hace olvidar de estas situaciones rápidamente. Toda la pelicula expresa amor. Amor a la familia, a la música y a Mexico y es que para hacerla hubo una investigación de campo que les llevo 3 años a los productores. Todo esto cobra sentido cuando la comenzamos a ver y nos sumerjimos en este mundo no tan fantástico. Y es que al final tiene dos escenas muy emotivas, que resumen todo el filme y dejan los mensajes de la película fuertes y claros, escritos con tinta de alebrije y cuerdas de guitarra.

Mi puntaje: 9/10 Simones
Test de Bechdel: 3 de 3
Recomendación: Verla en español latino.

Dato curioso: La primera vez que la fui a verla llegamos con mis amigas tarde y nos perdimos la explicación del por que el odio de la familia hacia la música y sinceramente perderme esa escena hizo que la película me gustara mucho más.

Lady Bird

De chico nunca tuve problemas con mi nombre a pesar del repetido chiste de "Simón dice". No había casi nadie que se llamara Simón y eso me hacia sentir un poco especial. También ayudó que Cris Morena le pusiera mi nombre a uno de los carilindos de alguna de sus novelas (Nunca fui muy fan de ella así que seguramente ustedes saben mejor que yo a cual de todas). No fue hasta rondando los 15 años que me empezó a molestar Simón a secas y no le echo la culpa a mis padres, sino a la gente que empezó a adoptar perros y decidió ponerle nombre de personas. Así que de un año para el otro Simón empezó a ser rebajado a nombre de mascota y obviamente a mi no me gustaba ni un poco. Como consecuencia decidí agregar mi segundo nombre cuando me presentaba a la gente y que ellas decidieran cual les gustaba más. Algo que nunca surtió efecto ya que hasta el día de hoy nadie me llama Andrés.
La protagonista de la película fue un poco más arriesgada e inteligente que yo y les exige tanto a las personas que la rodean como a sus nuevos conocidos que la llamen Lady Bird porque no está conforme con su nombre. Tampoco está conforme con nada de su entorno, tanto el pueblo en el que se mudan, como su colegio, su casa y su posición de clase media baja (media baja en Estados Unidos para un Argentino es clase media). El filme te habla sobre ella y de como tiene que pasar su ultimo año de secundaria tratando de encajar en algún lugar.
La narrativa no presenta temas nada originales para una película adolescente, tales como la universidad, el sexo, los amigos, los novios, etc. Pero la diferencia se encuentra en la manera. Ya que el filme te lo cuenta desde un lugar nostálgico, uno en donde te sentís identificado con la protagonista en la mayor parte de su vida y al mismo tiempo ver las cosas más objetivamente. Todo esto desde una visión muy dinámica en donde aprecias como ella siente que el tiempo se le está acabando, que todo pasa muy rápido, y que no tenés manera de pensar las cosas porque ya surge otra situación o conflicto.
Y ante todo hay que destacar la relación madre-hija que hay en la película, donde se puede ver que a pesar de todo el melodrama y conflictos parentales ellos también tienen tienen su lado de ver las cosas y que no hay blancos ni negros. Al final se puede destacar que a pesar de ser una película adolescente no está pensada para este público sino para uno más maduro, uno que ya paso por todos esos momentos y que ya sabe que no es el fin de algo sino el comienzo de una vida diferente.

Mi puntaje: 7/10 Simones
Test de Bechdel: 3 de 3
Recomendación: No mirarla si estas en el secundario

The Shape of Water

Hay algo en las historias de amor que nos lleva a repetirlas y mirarlas una y otra vez. Una atracción constante a crear obras, guiones, pinturas, poemas y hasta dioses que nos ayudan a comprenderlo y asimilarlo. En cierto punto es hasta un indicador de la humanidad de alguien.
Guillermo del Toro nos presenta esta historia de amor a través de un poema, un poema realizado con cámaras, colores y música, uno que en el fondo está hecho por un niño fascinado con el imaginario.
El relato ambientado en un "actual" 1962, nos cuenta la historia de una princesa que no lo es tanto. Una que es muda y que de realeza no tiene nada. Ella trabaja limpiando trapos, pisos y baños en una organización.
El elemento fantástico característico de Del Toro lo porta el interés romántico de ésta chica: Un hombre pez salvaje, tan bello como aterrador, sacado de una película de 1984. Esta criatura se encuentra acorralada en la organización, siendo objeto de estudio de militares y científicos, recibiendo maltratos y golpes y estando cautivo en una cárcel acuática.
Hay un uso de la nostalgia increíble en la película: los tiempos pasados siempre fueron mejores, salvo que seas negro, mujer o pobre. El filme te quiere marcar ese hecho cada vez que tiene la oportunidad, presentando situaciones de racismo y homofobia y dándole al verdadero monstruo de la película el poder de ser hombre, blanco y heterosexual en una época donde era lo único que valía.
Aunque con el filme contiene unas pocas escenas un tanto innecesarias en el argumento hay una sincronía y un uso poético de la cámara impresionante. Porque el director te cuenta la historia desde los ojos de un niño ya maduro, un niño que nunca dejo de creer en el amor y que con colores verdeazulados y una banda sonora impecable este niño quiere hablarte de la princesa sin voz y de una historia de amor y perdida.

Mi puntaje: 9/10 simones
Test de Bechdel: 3 de 3
Recomendación: verla en la mejor definición posible

I, Tonya

Transcurría el año '94 cuando sucedió un hecho que conmociono el mundo del deporte. No hablo del doping que le realizaron a Maradona que le costó volver a jugar en el mundial en Estados Unidos, ni del asesinato de Andrés Escobar. Para los yanquis fue mucho más importante un suceso que ocurrió en el ambiente del patinaje artístico: Tonya Harding, la mujer que revolucionó este deporte, contrató unos sicarios que le rompieron la rodilla a su oponente antes de los juegos olímpicos.
La verdad que no es tan así lo que ocurrió y de eso te quiere hablar la película a través de su formato de semi-falso documental. Donde la producción se encargó de entrevistar a las verdaderas personas y luego contrató actores y actrices para interpretar sus papeles en la entrevista y los hechos del pasado. Aproximándose lo más posible a la realidad desde los ojos de los "villanos del cuento" utilizando también la ruptura cómica con la cuarta pared.
Lo que más se destaca en el filme son las brillantes actuaciones. Por un lado tenemos a Margot Robbie, que ya cansada de hacer papeles de cara bonita decidió coproducir la película y actuar en ella. Dando como resultado el personaje más complejo y profundo de su carrera. Por el otro lado tenemos al verdadero mal de la protagonista: su madre. Allison Janney antagoniza la película tan perfectamente que nos hace dudar a cada segundo si su accionar es realmente valido, amándola y odiándola por ello.
A pesar de esto la película tiene un error muy básico y es que no habla más allá del tiempo y lugar, el problema no te llega porque no es algo que atraviesa tu cultura, salvo que vivas en EUA o te interese el patinaje artístico. Tampoco tuvo consecuencias muy graves para la victima porque esta se pudo recuperar y volver a patinar al poco tiempo. La película empieza y termina en las dos horas de duración. No te deja pensando, no se destaca demasiado, no innova mucho y termina siendo el Cisne Negro de 2017.

Mi Puntaje: 7/10 Simones
Test de Bechdel: 3 de 3
Recomendación: Entender lo que es un Triple Axel

Si no sabés lo que es el test de Bechdel que utilizo en todas mis reseñas haz click aquí. 

Dunkerque

Como argentino tengo una visión bastante particular de la guerra bélica moderna, condicionada por la historia socio-cultural del país. Porque la mayoría de nosotros entendemos que en la guerra nadie gana.
En cambio la gente nacida y criada en culturas como la Estadounidense o Inglesa tienen un fuerte sentimiento de victoria cuando se refieren a la segunda guerra mundial. Ellos entienden estos conflictos como algo de honor o de lo que enorgullecerse. 
Christopher Nolan trata de romper un poco esa estructura con Dunkink, presentándonos de tres formas distintas lo que se puede llegar a vivir en medio del conflicto bélico cuando se pierde el dominio de un lugar. A través de sus actuaciones, sonidos e historia podemos ver y sentir la desesperación de los soldados que quieren volver a casa con vida, la cual puede ser quitada en cualquier momento, las acciones de un marinero para salvar gente cueste lo que cueste y la preocupación de un aviador por defender a las personas que están tratando de sobrevivir en tierra.
Hay dos cuestiones que el director utilizó para poder hacernos sentir todo lo dicho. La primera fue la música y la producción de sonido, dejando lugar a silencios que decían mucho o a la explosión sonora propia de la guerra. La segunda es la invisibilidad del enemigo, nunca lo vemos en pantalla, solo presenciamos sus acciones. Esto hace que lo percibamos como un ente omnipotente y omnipresente del cual nunca sabemos cuando puede llegar a presentarse
Pero no todo es oro en el valle Nolan y tampoco les voy a mentir sobre esto: tuve que ver la película en dos partes porque se me hizo aburrida. La primera hora de película te presenta la historia y la dinámica, algo que podría haberte contado en 20 minutos o menos de una mejor forma.
Por otra parte no rompe totalmente con la visión de la guerra propia de alguien estadounidense/ingles. Todo trata sobre ganar, incluso cuando uno de los soldados regresa a una zona segura no se alegra por estar vivo y tampoco se deprime por lo sucedido, simplemente siente que deshonro a su país escapando del conflicto y dejando una Dunkerque ahora en manos de los alemanes.



Mi puntuación: 9/10 simones
Test de Bechdel: 0 de 3
Recomendación: Hagan unos pochoclos y subanle el volumen a su dispositivo.

En la Salud y en la Enfermedad

Todos sabemos que existe una formula para hacer las comedias románticas que a todos nos a̶b̶u̶r̶r̶e̶  encanta: chico conoce a chica, se enamoran, todo marcha bien hasta que deja de hacerlo, gran pelea, se reconcilian y final feliz.

Solo ciertas películas logran romper este cliché de manera interesante, 500 Days of Summer es un ejemplo. La pareja de turno se conoce pero solo él se enamora de ella y solo él tiene que romper y aceptar como son las cosas, no hay reconciliación ni final feliz (por lo menos en donde estén juntos).

The Big Sick logra romper el estereotipo bastante bien, ya que la trama de la película no se basa en ellos dos. Lo que pasa en la mayoría de los filmes del genero ocurre en los primeros 30 minutos de película, por lo menos hasta la parte de la pelea. Luego un suceso lo lleva a él a construir la relación con los padres de ella y tratar de resolver un conflicto propio con sus familiares a los que les oculta todas sus relaciones románticas ya que quieren que tenga un matrimonio concertado y sea un musulmán c̶o̶m̶o̶ ̶e̶l̶l̶o̶s̶  como la gente buena.

La película no es lo que uno espera de los romances pero tampoco lo que uno espera de las comedias (debo haberme reído de tres chistes en 2 horas) y el final deja mucho que desear *SPOILER y es que, después de haberte presentado todo el desarrollo, rompen todo eso para darte un final feliz FIN SPOILER*.

Otro de los grandes errores de la película es que solo se destaca en un contexto de "película de comedia romántica", no tiene actuaciones extraordinarias, ni te presentan un conflicto social muy grave, todo queda muy ligero para el espectador, lo peor de esto es que hay una escena en donde te muestran un poco de lo que es el racismo y xenofobia en EEUU  sin embargo queda en la nada y en la siguiente escena ya está olvidado.

Como conclusión para mi la película fue como querer hacer una torta, conseguiste todos los ingredientes, cambiaste un poco la receta agregando un poco de esto y otro de aquello, pero al final te dio vagancia y terminaste haciendo una magdalena bastante rica, pero no es la torta que podrías haber cocinado. 

Mi puntaje: 6/10 Simones

Test de Bechdel: 3 de 3

Recomendación: Véanla con pocas expectativas

Muerte y Obra de Vincent van Gogh

De chico nunca me gustaron las pinturas, no era algo que entendía. Para un niño que miraba mucha televisión o jugaba al pokémon en su emulador de gameboy, una imagen estática no me trasmitía mucho, aburría. Fue de más grande, en mi adolescencia, cuando pude entender que esas pinturas no eran estáticas, representaban una situación, un sentimiento, tenían movimiento, vivían más allá de su pintor, eran una extensión de la persona.

De eso se trata Loving Vincent, de darle vida a la obra del reconocido pintor, padre del arte moderno, irónicamente relatándote su muerte. Cada imagen que te presenta la película es una obra de arte puesta en movimiento, a veces muy calmo como el pasto moverse por la brisa o el del agua del río, dejándote apreciar unos segundos de esa obra de arte. Otras veces es más marcado y los animadores juegan con el 3D de los actores y el 2D de los objetos estáticos como un edificio, o el paisaje del fondo.

Más de 100 pintores de oleo puro estuvieron encargados de animar el filme cuadro por cuadro, dando como resultado la primer película animada completamente pintada. un trabajo arduo que les tomó 2 años.

Sin embargo la película no se destaca más allá del arte, al ser una biografía fílmica uno sabe como transcurren los hechos, no tiene nada nuevo que contar argumentativamente, su historia es un simple hilo conductor que te lleva de cuadro en cuadro para tomarte el tiempo de apreciar y cautivarte con cada pequeño detalle del plano general resultando en una gran obra maestra que un contemporáneo van Gogh seguro hubiese realizado.

Mi puntaje: 8/10 Simones

Test de Bechdel: 1 de 3

Recomendación: Si no conocen mucho de Van Gogh investiguen un poco antes de verla.

Si te interesa saber como se hizo la película haz click aquí

Pasitos de Bebé

Siempre tengo la duda de como empezar algo, ya sea una conversación con alguien desconocido, el primer día de Universidad o un blog de Internet realizado para expresar mis ideas. Es una inseguridad que me es muy difícil de combatir y los primeros pasos que doy son algo (bastante) incómodos. Así que, lector, solo te pido paciencia al adentrarte en las entradas.

Este blog lo estoy armando para poder tener un lugar en donde dar mi opinión sobre el mundo del cine y las series y como hace poco anunciaron los Oscars pensé que era la mejor forma de empezar este proyecto.

Soy bastante fanático de la ceremonia, así que cuando supe que ya estaban los nominados no pude pensar ni hacer otra cosa antes de buscar quienes eran. Una de las categorías que más me gusta es la de Mejor Película Animada, en donde pude comprobar que Coco, el gran proyecto de Pixar para este año, está nominada. Al confirmar mis expectativas fui buscando a los demás filmes y dos milímetros más arriba estaba "The Boss Baby", una película por la que no tenia esperanza alguna, pero para no prejuzgar hoy la descargue y me senté a verla.
The Boss Baby es una película animada de Dreamworks, ésta basa su argumento en Tim un niño de 7 años con mucha, muchísima, imaginación y parece que ésta imaginación hace que crea que su nuevo hermano menor sea el gerente de una compañía encargada de que las familias prefieran tener bebés por sobre los perros o gatos, como si fueran el producto de una fabrica. La película va saltando de lo que es real a la imaginación de Tim todo el tiempo haciendo una mezcla en la que no sabés que es lo que está pasando verdaderamente y que es lo que la mente del niño crea para aceptar el nuevo individuo de la familia.
La Película en si no es mala, sinceramente era mejor de lo que esperaba, está realizada para niños: su humor es infantil, sus personajes simpáticos, y con escenas que te hacen recordar a los Looney Toons. Pero le falta profundidad, algo que tenga esa chispa del viejo Dreamworks, donde los personajes más allá de su fantasía, tenían sentimientos profundos y comunicaban más cosas que "ahora estoy bien", "ahora mal", "estoy enojado": eran complejos. La compañía tiene los recursos para ser competencia de Disney y sin embargo realiza filmes que dejan mucho que desear, películas sin "alma" y con mucho presupuesto.


Mi puntaje: 5/10 Simones.
Test de bechtel: 1 de 3.
Recomendación: Véanla con un niño, sino se torna aburrida.